Поп-арт: от возникновения до расцвета

Коротко говоря, поп-арт – это художественный стиль, наиболее популярный в 60-х годах 20 века. Сюжеты картин основаны на известных всем предметах: знаменитостях, мультфильмах, еде, предметах быта. Для него характерны яркие краски, плоскостность, ироничность и отсутствие глубокого смысла.

Родина поп-арта

Считается, что движение поп-арт зародилось в Лондоне в 1952 году в сообществе молодых художников, критиков, архитекторов и писателей, Independent Group (ассоциация, члены которой исследовали влияние технологий, массовой культуры и рекламы на современное искусство), которая входили Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон, Джон Макхейл, Эдуардо Паолоцци и Уильям Тернбулл, которые затем проводили выставки первых образцов поп-арта. Их творчество оказало сильное влияние на последующее развитие движения.

Независимая группа (1956)
Независимая группа

История появления термина

Кто именно придумал название термина, неизвестно, но его обычно приписывают британскому историку искусства Лоуренсу Аллоуэю, который в 1958 г. », которая была ей близка, тогда и закрепилось название «поп-арт».

Лоуренс Аллоуэй — портрет
Лоуренс Аллоуэй

Аллоуэй был одним из ведущих критиков, защищавших поп-арт как законную форму искусства.

Первое изображение

Хотя коллаж Эдуардо Паолоцци «Я был игрушкой богатого человека» был показан на лекции еще в 1952 году, коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши дома сегодня такими разными, такими привлекательными?» официально как первый образец современного поп-арта. Он был показан на новаторской независимой групповой выставке под названием «Это завтра» в 1956 году в галерее Уайтчепел в Лондоне.

Эдуардо Паолоцци «Я был игрушкой богатого человека»
Я был игрушкой богатого человека — Эдуардо Паолоцци, 1952 г

коллаж размером 26 х 24,8 см был склеен из изображений, вырезанных из журналов. На ней изображены полуголые герои в соблазнительных позах: бодибилдер и девушка на диване с абажуром на голове.

Ричард Гамильтон «Так что же делает наши дома сегодня такими разными, такими привлекательными?»
Что же делает сегодняшний дом таким особенным, таким привлекательным? Ричард Гамильтон, 1956 год

Действие происходит в гостиной, наполненной узорами и эмблемами послевоенной хорошей жизни в американском стиле.

На столе есть консервированная ветчина. На стене висит обложка американского комикса Young Romance в рамке. Мужчина держит в руках гигантский леденец. Центр коллажа на уровне глаз занимает надпись «поп».

Успех картины был ошеломляющим. Многие до сих пор придерживаются мнения, что именно Ричард Гамильтон единолично стал пионером поп-арта и что именно он определил условия, с которыми пришлось столкнуться движению.

Ричард Гамильтон — портрет
Ричард Гамильтон

В то же время появление стиля поп-арт можно считать почти случайным, коллаж Гамильтона изначально был иллюстрацией к афише выставки, и лишь спустя несколько лет был показан и продан как произведение искусства.

История возникновения поп-арта

Далекие предшественники

Слияние изобразительного искусства и массовой культуры (таких как рекламные щиты, упаковка и печатная реклама) началось задолго до 1950-х годов.

Почти столетие назад, в 1855 году, французский художник-реалист Гюстав Курбе символически способствовал развитию популярного вида искусства, сняв позу для своей картины с недорогой серии гравюр под названием Imagerie d’Epinal (Изображение д’Эпиналь). Эта чрезвычайно популярная серия включала в себя красочные нравоучительные сцены, созданные французским иллюстратором (и соперником Курбе) Жаном-Шарлем Пеллереном (1756–1836). Эти картины уличной жизни, военных и легендарных персонажей были известны каждому школьнику. Понял ли средний класс намек Курбе? Может быть, и нет, но Курбе было все равно. Он знал, что низкая форма живописи вторглась в высокую.

Испанский художник Пабло Пикассо использовал ту же стратегию. Он пошутил над любовью людей к шопингу, создав женщину из этикетки и рекламы универмага Bon Marchais. Хотя «Au Bon Marché» (1913) нельзя считать первым коллажем в стиле поп-арт, в нем определенно заложены семена будущего движения.

Au Bon Marché — Пабло Пикассо, 1913 г
Бон Марше — Пабло Пикассо

Связь с дадаизмом

Пионер дадаизма Марсель Дюшан развил потребительскую уловку Пикассо дальше, используя настоящие потребительские товары в своих витринах: полку для бутылок, ведро для снега, писсуар (перевернутый). Эти предметы он называл реди-мейдами, то есть техникой «использования вещей из магазина в искусстве».

Нео-дада, или ранний поп-арт

Художники ранней поп-музыки последовали примеру Дюшана в 1950-х годах, вернувшись к фигурам на пике абстрактного экспрессионизма и намеренно используя «низкопробные» популярные образы. Они также воспроизводили трехмерные объекты.

Примерами могут служить «Пивные банки» Джаспера Джонса (1960) и «Кровать» Роберта Раушенберга (1955). В годы своего становления эти произведения относились к нео-дадаизму. Сегодня мы можем назвать это ранним поп-артом.

Цели и причины течения

Некоторые молодые британские художники 1950-х годов, выросшие в условиях военного времени, жестких диетических ограничений и утилитарного дизайна, смотрели на Америку с ее соблазнительной поп-культурой и потребительским стилем жизни с долей романтической иронии и зависти.

Они считали Соединенные Штаты страной свободы — свободной от уродливых условностей классовой власти, которые могли задушить культуру, которую они представляли: более инклюзивной, молодой, охватывающей социальное влияние средств массовой информации и массового производства.

Поп-арт стал их способом выражения в этом стремлении к переменам, а язык был адаптирован из коллажей Дада. Дадаисты создавали иррациональные комбинации случайных образов, чтобы вызвать реакцию авторитетов своего времени.

Поп-арт и минимализм — новейшие жанры искусства.

Британские художники, напротив, переняли аналогичную изобразительную технику, но сосредоточили свое внимание на массовых образах массовой культуры, которыми они замахнулись перед лицом власти.

Поп-арт был способом выражения стремления к переменам, реакцией на статус-кво.

Это также была реакция молодого художника на послевоенный потребительский бум, когда рекламировалось и продавалось все больше и больше товаров.

Поп-арт в США

В США поп-арт возник в конце 1950-х годов и развивался иначе, чем в Великобритании. В то время как в Англии на культуру потребления и идеализированный взгляд на жизнь смотрели со стороны, американцы находились в очень тяжелом состоянии, что не могло не сказаться на развитии стиля.

После Второй мировой войны экономический бум привел к повышению заработной платы и увеличению свободного времени, а массовое производство привело к появлению телевизоров, посудомоечных машин и автомобилей в беспрецедентных масштабах. Наряду с новыми технологиями в печатном производстве распространялась и развивалась рекламная индустрия брендов, каждый из которых продавал продукт с обещанием удовольствия.

Поп-арт в США был безличным и оторванным от личности художника, тогда как в Британии он был более субъективен и метафоричен.

Благодаря вновь обретенному богатству, мобильности и досугу многие американцы переехали в пригороды (поскольку дома стали легко доступны), а телевидение стало доминирующим средством массовой информации 1950-х годов.

Но в 1960-х годах многие видели в этом господствующем социальном порядке и его бесконечном стереотипном повторении угнетение и бунт против этого заранее организованного образа жизни, вызов политическому истеблишменту, протест, например, против войны во Вьетнаме.

Социальные движения процветали, чтобы обеспечить равенство и гражданские права для афроамериканцев и женщин. Этот бунтарский дух укоренился и в мире искусства, так как многие молодые художники того времени чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и что они видели в музеях, не имеет ничего общего с жизнью и культурой, которые их окружали. В знак протеста они обратились к таким источникам, как поп-музыка, пищевая упаковка, комиксы и голливудские фильмы, используя изображения массового производства для создания произведений искусства, которые критиковали и подрывали их. Так и родилось это направление живописи, скульптуры и моды.

В то время как британцы создавали юмористические или романтизированные произведения, американцы рисовали агрессивные, более смелые, более драматичные и менее беззаботные картины.

Окруженные продуктами потребительской культуры, американские поп-писатели были вдохновлены тем, что они увидели и испытали, живя в рамках этой культуры. В Соединенных Штатах это новое движение рассматривалось как возвращение к репрезентативному искусству, то есть к тому, что изображало визуальный мир узнаваемым образом.

Почти все художники поп-арта были дизайнерами гравюр.

В предыдущие десятилетия в Америке доминировали абстрактные экспрессионисты, которые (как следует из названия) использовали выразительные жесты и абстрактные, нереалистичные изображения. Столкнувшись с миром потребительских товаров, художники поп-музыки отвернулись от этой абстракции, вместо этого используя четкие грани и узнаваемые формы для создания своего рода искусства о видимом мире вокруг них. Используя безличные, повседневные образы, поп-арт также хотел отойти от акцента на личных эмоциях и символизме, характерных для абстрактного экспрессионизма.

Американский поп-арт был ответом на культуру того времени, пропитанную рекламой и коммерциализацией. Хотя этот стиль не склонен к открытой критике такого положения вещей, он испытал сильное влияние средств массовой информации, точно так же, как художники прошлого находились под влиянием природы и религии.

В результате он очень сильно расходился с массами, поскольку, в отличие от многих предшествующих ему авангардных движений, включал темы и методы, с которыми широкая публика уже была хорошо знакома.

Идеи

Поп-арт характеризовался тем, что не идеализировал объекты культуры, а изображал их такими, какие они есть. Основная идея этого движения заключалась в том, что искусство не элитарно, оно может ассоциироваться с обычными людьми или повседневными вещами. Оно должно быть понятно каждому, а не быть привилегией для ограниченного круга лиц.

Ключевые идеи:

• Размывание понятий между «высоким» и «низким» искусством. В основе жанра лежала идея отсутствия иерархии в культуре. Вдохновение может исходить из любого источника.
• Эмоциональная отстраненность. Хотя подходы и работы были очень разными, всех объединяла холодная дистанцированность в чувствах. Некоторые видят в этом признание со стороны популярного мира, другие — шокированное отступление.
• Отсутствие глубокого смысла. Простота — это и сила, и то, за что это направление подвергалось резкой критике. Смысл поп-арта лежит на поверхности.

Характерные черты

Поп-арт легко узнаваем благодаря своей яркости и уникальным качествам, присущим многим культовым произведениям этого движения.

Особенности включают в себя:

• Узнаваемые образы. Поп-арт использовал изображения и символы на популярных носителях и продуктах. К ним относятся коммерческие товары, такие как банки для супа, уличные знаки, фотографии знаменитостей, газеты, торговые марки, логотипы и многое другое.
• Отсутствие выдуманных сюжетов и объектов. Поп-арт всегда основан на том, что есть. Авторы не придумывают новых персонажей и предметы.
• Сильные цвета. Для стиля характерны сочные, яркие цвета, наиболее важными из которых являются красный, желтый и синий.
• Ирония и сатира. Юмор – одна из главных составляющих поп-арта. Мастера используют их, чтобы делать заявления о текущих событиях, смеяться над модой и бросать вызов статусу-кво.
• Инновационные методы. Многие художники поп-арта были дизайнерами или граверами, что позволяло им создавать изображения быстро и в больших количествах. Энди Уорхол использовал трафаретную печать — процесс, при котором краска переносится через трафаретную сетку на бумагу или холст. Рой Лихтенштейн использовал литографию для достижения своего фирменного визуального стиля. Художники часто брали изображения из других областей популярной культуры и включали их в свои работы либо в измененном, либо в исходном виде. Этот тип присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить различие между высокой и низкой культурой, которое делало различие между рекламой, средствами массовой информации и изобразительным искусством.
• Смесь медиа и коллажа. Художники часто смешивали материалы и использовали самые разные журналы и газеты. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы возвестили о развитии жанра, Том Вессельман и Ричард Гамильтон объединили, казалось бы, разрозненные изображения на одном холсте, чтобы создать совершенно современную форму. Точно так же Марисоль известна своими скульптурами, в которых для изображения фигур используется множество различных материалов.
• Плоские изображения под влиянием мультфильмов и газетных изображений.

Самые известные британские поп-арт художники

Питер Блейк

Портрет Питера Блейка, 1932 г.р

Питер Блейк – известный английский представитель направления, наибольшую известность которому принесла его обложка альбома группы «Битлз» Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. На ней изображена сама группа в окружении картонных знаменитостей культовая обложка, которая, по опросам, считается одной из лучших в мире.

Оркестр клуба одиноких сердец сержанта Пеппера — Питер Блейк, 1967 г
Питер Блейк — сержант. Группа клуба одиноких сердец Пеппера

Блейк известен своими красочными графическими работами, в которых использовались образы из популярной культуры.

«Я хотел создавать искусство, которое было бы визуальным эквивалентом поп-музыки», — сказал он.

Патрик Колфилд

Патрик Колфилд, 1936–2005 гг

Колфилд писал полотна, в которых использовал бытовые сцены, натюрморты, домашние интерьеры, взятые из рекламы и дешевые иллюстрации, чтобы передать живую яркость и юмор.

Для его картин характерны толстые черные линии и яркие, насыщенные цвета.

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни — один из самых выдающихся художников Англии 20 века и яркий представитель британского поп-арта. В 1961 году его работы выставлялись в Лондоне на выставке «Молодые современники.

В 1963 году он познакомился с Энди Уорхолом, а затем посетил Лос-Анджелес, что вдохновило его на создание поразительно реалистичных изображений бассейнов. Эти работы выполнены в плоском стиле яркими акриловыми красками.

В 2011 году Хокни был назван самым влиятельным британским артистом всех времен.

Аллен Джонс

Один из основоположников британского поп-арта. Джонс использует в своих работах простые изображения в сочетании с яркими, смелыми цветами. Он наиболее известен своими эротическими скульптурами и изображениями женщин в натуральную величину с фетишистскими и садомазохистскими оттенками.

Влиятельные американские поп-арт художники

Джим Дайн

Джим Дайн был представителем нео-папы и поп-арта, специализируясь на коллажах, «реди-мейдах» (найденные бытовые предметы, помещенные в арт-среду) и хеппенингах (арт-форма, похожая на перформанс, но полный контроль у художника отсутствует) над тем, что происходит).

Джим Дайн — портрет

Впервые он привлек внимание своими хеппенингами в 1959 году, которые он организовал в сотрудничестве со скульптором Класом Ольденбургом, художником Алланом Капроу и композитором-авангардистом и концептуалистом Джоном Кейджем.

В 1962 году его работы вместе с другими известными писателями были показаны на крупной выставке поп-арта в Пасадене. В 1960-х Дайн создал ряд произведений искусства, используя объекты и изображения поп-культуры, иногда прибегая к сенсационности Дада, например, в своей эротической инсталляции, которая была закрыта лондонской полицией за непристойность.

Сюжеты в его произведениях включают бытовые предметы и символы: сердца, инструменты, одежду, черепа, наполненные личностным смыслом.

Гравюры занимают центральное место в его творчестве. За свою жизнь он создал более 1000 гравюр, некоторые из них поистине масштабные.

Джим Дайн смело экспериментировал с материалами и техниками: шлифование пластинами, натирание и царапание бумагой; импровизировал, «нападал» на произведение серией спонтанных действий.

Многие его произведения автобиографичны. Например, его линейка инструментов восходит к его детству, когда он играл в хозяйственном магазине своего дедушки. Серия Robe была вдохновлена ​​журнальной рекламой, которую он увидел в 1963 году. Как сказал Дин

Я искал способ делать автопортреты, не рисуя лицо. Увидела этот халат в рекламе. В этом не было никакого человеческого участия, но форма халата была похожа на мою, поэтому она стала для меня своего рода метафорой.

Роберт Индиана

Роберт Индиана (настоящее имя Роберт Кларк) начинал как художник-абстракционист и резчик по дереву, а затем присоединился к движению в Нью-Йорке в 1954 году. Выброшенные трафареты привели его к изучению искусства надписей, установки букв и слов (таких как Love, Eat, Die).) в свои картины, основанные на форме пинбола.

Роберт Индиана — портрет

Роберт Индиана называл себя «американским художником жестов». Он наиболее известен своей графикой «Любовь», которая впервые появилась на рождественских открытках и марках в 1960-х годах. Марка с графикой считается самым распространенным изображением в стиле поп-арт (было продано более 300 миллионов).

Позже он создал скульптурную версию, которую воспроизвел в разных стилях и на разных языках, включая сталь на иврите со словом «Ахава».

В 2008 году он создал новую работу со словом «Надежда», все доходы от которой (ему удалось собрать 1 миллион долларов) были переданы в предвыборный фонд Барака Обамы.

Джаспер Джонс

Наряду с Раушенбергом Джонс был одним из пионеров поп-арта 1950-х годов. Впервые его узнали благодаря полотнам с изображением американского флага, а также графике с размерами и цифрами.

Портрет Джаспера Джонса

Он также был известен тем, что использовал воск и гипс в своих картинах маслом.

После успеха изображений флага Джонс стал использовать в сюжетах своих работ настоящие предметы, а также занялся скульптурой (например, скульптура «Банки с супом», 1964).

Его использование изображений и материалов поп-культуры, естественно, привело к тому, что его назвали художником поп-арта, но его работа (включая большое количество пародий, парадоксов и противоречий Дюшана) также привела к тому, что его назвали неохудожником. Дадаисты.

Ранние работы Джаспера Джона бросают вызов тому, как мы видим, воспринимаем и создаем искусство. Он не различает субъекта и объекта в своем творчестве, искусства и жизни. В его глазах это то же самое. Джонс считает, что мы должны рассматривать картину не как иллюзию, а как объект, обладающий собственной реальностью.

Роберт Раушенберг

Роберт Раушенберг также использовал в своей работе «найденные образы», ​​но в отличие от изображений Джонса, они были объединены по отношению друг к другу или с реальными предметами. Работы обоих этих художников часто называют нео-дадаизмом, потому что они опираются на «найденные образы», ​​впервые изученные дадаистами, такими как Марсель Дюшан и Курт Швиттерс.

Роберт Раушенберг — портрет

Вдохновленный Швиттерсом, создававшим коллажи из мусора, который он подобрал на улице, Раушенберг объединил реальные предметы, которые он нашел в своем нью-йоркском районе, с техниками коллажа и рисования.

«На самом деле у меня было правило. Если я прошел весь квартал и у меня не было достаточно материала для работы, я мог пройти еще один квартал в любом направлении».

Он считал, что его работа «должна выглядеть не менее интересно, чем все, что происходило за окном». Раушенберг считал, что «живопись больше похожа на реальный мир, если она сделана из реального мира».

Творчество автора размыло границы между живописью и скульптурой, смешав методы того и другого.

Алекс Кац

Алекс Кац — уникальный художник-фигуратор, известный своими большими упрощенными изображениями семьи и друзей. Кац создал культовые картины, изображающие американскую сцену, а затем и американский пейзаж.

Алекс Кац — портрет

Он много раз рисовал свою жену Аду и других людей в плоском стиле на светлом фоне одного тона.

Он также делал коллажи и в 90-х годах рисовал природу, используя простые изображения листьев, света, теней и цветов.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн — один из ведущих и узнаваемых авторов в этом жанре.

Он сделал мультфильмы центром своего творчества, чего до него не делал никто. Лихтенштейн брал карикатуры, увеличивал их, обрезал, заменял речевые пузыри другими, иногда смешивал персонажей одних мультсериалов с другими и делал картины.

Рой Лихтенштейн — портрет

Несмотря на то, что холсты кажутся просто распечатанными страницами, Лихтенштейн рисовал их маслом и синтетическими полимерными красками, имитируя газетную печать. Он использовал трафареты с кругами для своей культовой техники точечного раскрашивания, так как рисовать их вручную было сложно, учитывая большой размер работы.

Рой Лихтенштейн восхищался яркими красками и смелыми линиями мультфильмов, ему нравились реплики персонажей. Отличие работ Лихтенштейна от работ других художников, использовавших подобный китчевый материал, заключалось в том, что саму карикатуру он превратил в произведение искусства.

Ричард Гамильтон однажды назвал Роя Лихтенштейна самым «невероятно экстремальным» американским поп-исполнителем. Что больше всего поразило Гамильтона, так это чистота работ Лихтенштейна, то, как его карикатуры были «верными медиуму».

Сначала его картины шокировали и критиковали за копирование и отсутствие оригинальности, но они быстро были приняты коллекционерами и галеристами.

«Было трудно получить настолько отвратительную картину, что никто не хотел ее вешать… Все вешали все подряд. Повесить мокрую тряпку с краской было почти допустимо, к этому все привыкли. Единственное, что все ненавидели, так это коммерческое искусство; очевидно, и они недостаточно его ненавидели», — сказал он.

Жесткий коммерческий стиль мультяшных картин Лихтенштейна был противоядием от бессвязных вспышек позднего абстрактного экспрессионизма, но он не противопоставлял поп-арт дадаизму: поп-арт такой же, как дадаизм. Я не считаю свою работу антиискусством или чем-то отличным от мейнстрима живописи времен Возрождения».

Хотя в стиле Роя Лихтенштейна есть элемент иронии и юмора, его творчество находится в рамках классической живописи: в использовании линии, формы, тона и цвета как композиционных элементов.

Клас Олденбург

Ольденбург был одним из самых важных скульпторов поп-арта, а также перформансистом. Он хотел показать всю пошлость американской культуры, особенно Нью-Йорка.

Клас Ольденбург — портрет

Его работа была сосредоточена на превращении знакомого в странное. Для этого он увеличивал обычные, бытовые предметы и размещал их в общественных местах, побуждая тем самым зрителя по-иному увидеть окружающую среду.

Работы Ольденбурга полны юмористической иронии и противоречия: с одной стороны, он создает твердые предметы, такие как раковина в ванной, из мягкого висящего винила, а с другой стороны, мягкие предметы, такие как чизбургер, из жестко окрашенного гипса.

Его самым важным вкладом в поп-арт было превращение банальных предметов в искусство.

Джеймс Розенквист

Через замысловатое переплетение мотивов, таких как бутылки Coca-Cola, кухонные приборы, упакованные продукты, женские накрашенные губы и ухоженные руки, масштабные полотна и гравюры Розенквиста воплощают головокружительную вездесущность потребительского мира.

Розенквист использовал рекламный стиль рисования на небольших холстах, где изображения были слегка размыты, а качество терялось при увеличении и кадрировании.

Он создавал поразительно грандиозные произведения, казалось бы, не связанные друг с другом. Часто эти работы занимали все стены галереи.

чувство подавленности было уникальным способом художника выразить оцепенение общества к его нездоровой одержимости не только материальным потреблением, но и политической и знаменитой славой.

Самая известная работа Джеймса Розенквиста — массивная, откровенно политическая картина F-111. Созданная в 1964-65 годах, она стала своеобразным протестом против милитаризма в Америке.

Ф-111, 1964-1965 гг

По всей 26-метровой работе, состоящей из 51 панели, изображен военный истребитель-бомбардировщик, перемежающийся множеством изображений, таких как пляжный зонт, грибовидное облако, спагетти и молодая девушка под феном, что очень похоже на как боеголовка.

Эд Рушей

Руша стал известен в конце 1950-х годов, когда он начал создавать небольшие коллажи, используя изображения и слова, взятые из повседневных источников, таких как реклама. Этот интерес к повседневной жизни побудил его использовать пейзаж своего родного города Лос-Анджелес в качестве источника вдохновения, к которому он возвращался снова и снова.

Эд Руша — Портрет

Рушей часто сочетает образы города с повседневными словами и выражениями, чтобы передать особый опыт. Он также исследует банальность современной городской жизни и клубок изображений и информации из средств массовой информации, с которыми мы сталкиваемся ежедневно.

Руша играет с языком в своих работах, используя такие приемы, как звукоподражание, каламбуры, аллитерации и оксюмороны. Многие из его ранних работ изображают отдельные слова в типографском формате или шрифтом.

Предложения и фразы предполагают повседневный американский язык и сленг, а также привлекают внимание к определенным переживаниям или напоминают о излишествах голливудской культуры.

Энди Уорхол

Энди Уорхол — самый известный художник, икона поп-арта.

Сначала он успешно работал как «коммерческий художник», темы его картин были заимствованы из образов массовой культуры: рекламы, мультфильмов, газет, телевидения и кино.

Уорхол воплотил дух американской массовой культуры и возвел ее образы в статус музейного искусства. Он использовал изображения знаменитостей и потребительских товаров, банальность которых, по его мнению, делала их более интересными.

Энди Уорхол — Портрет

Он чувствовал, что такие изображения лишаются смысла и эмоционального присутствия из-за их массового воздействия на аудиторию. Уорхол был очарован этой банальностью, которую он воспевал в самых разных предметах, от банок для супа до знаменитостей.

Будь то картина с лапшой или портрет Элизабет Тейлор, Уорхол всегда придерживался одного и того же подхода: «Я думаю, что каждая картина должна быть одинакового размера и цвета, чтобы их можно было поменять местами, и никто не подумал, что у него лучше или хуже» картина».

Уорхол видел в этой эстетике массового производства отражение современной американской культуры:

«Самое замечательное в этой стране то, что в Америке зародилась традиция, согласно которой самые богатые потребители покупают почти то же самое, что и самые бедные. Вы можете смотреть телевизор и видеть колу, и вы знаете, что президент пьет колу, Лиз Тейлор пьет колу и просто думает, что вы тоже можете ее пить.

Кока-кола есть кока-кола, и никакие деньги не принесут вам лучшей кока-колы, чем пьет бездельник на углу. Вся кока-кола одинакова и вся кока-кола хороша. Это знает Лиз Тейлор, это знает президент, это знает бродяга, и вы это знаете». Очевидная ирония этого заявления состоит в том, что цена этой бутылки на картине взлетает до небес, как только Уорхол подписывает ее.

Его многочисленные причудливые заявления были преднамеренно загадочными и противоречивыми, избегая разъяснений и оставляя аудитории возможность размышлять об их значении. Уклончивое отношение Уорхола было стратегией, которая привела к саморекламе. Он культивировал свой собственный образ бизнес-модели, неотделимой от его искусства. Он сказал:

Я начинал как коммерческий художник, а закончу бизнес-художником. Быть успешным в бизнесе — это самая захватывающая форма искусства.

Важные поп-арт картины

Натюрморт № 20 — Том Вессельман, 1962

Натюрморт # 20, 1962 Том Вессельманн
Натюрморт № 20 — Том Вессельман

Натюрморт № 20 является частью серии натюрмортов, которые Том Вессельман начал создавать в начале 1960-х годов.

С левой стороны показаны некогда функциональные предметы, которые он собрал, а затем поместил в настоящий шкаф над частью настоящей раковины. Свет над краном можно включить или выключить, а шкаф можно открыть или закрыть.

Справа автор объединил двухмерные изображения разных видов еды и напитков в композицию. Над ними висит репродукция картины художника Пита Мондриана, который использовал элементы искусства в их чистейших формах — прямые линии, прямые углы и основные цвета — в попытке представить утопическое общество будущего.

Вессельман часто включал в свои проекты репродукции работ других художников, чтобы продемонстрировать, как искусство интегрировалось в повседневную жизнь и присоединилось к коммерческому миру.

На балконе — Питер Блейк, 1955 – 1957

На балконе, 1955 — 1957, Питер Блейк
На балконе — Питер Блейк

Хотя картина выглядит как коллаж, это картина маслом. На нем изображена группа подростков как олицетворение современного мира, восприимчивого к поп-арту, разрушающему традиционные представления об объектах искусства. Вокруг них множество картин и картин на тему «Балконы». Слева, например, репродукция Мане, а справа журнал Life. Всего на работе 32 варианта балконов.

Как и на многих картинах Блейка, подростки изображены с короткими стрижками и прямыми, более естественными взглядами, чем черты лица, считающиеся более утонченными.

Флаг — Джаспер Джонс, 1954 – 1955

Флаг, 1954-1955 гг. Джаспер Джонс
Флаг — Джаспер Джонс

Эта картина имеет большое значение для поп-арта. Джонс написал его поверх коллажа из газет, что определяло этот символ страны в тот момент.

Художник не выдумывал сюжет, он нарисовал флаг, который мог бы узнать каждый. Он также не вкладывал в картину свое собственное мнение, он предоставил эту привилегию зрителям. Одни видят в изображении флага национальную гордость и свободу, другие видят только империализм или угнетение.

Сам автор нарисовал картину в контексте «охоты на ведьм» 1950-х годов, когда началась ликвидация коммунистов в американском правительстве.

Тонущая девушка — Рой Лихтенштейн, 1963

Drowning Girl 1963 Рой Лихтенштейн
Утопающая девушка — Рой Лихтенштейн

Одно из знаковых произведений поп-арта. Сюжет произведения взят из мультфильма DC «Беги за любовью!», где были изображены парень и тонущая девушка. Художник обрезал фото, увеличил изображение девушки и изменил ее слова на «Мне все равно. Я лучше утону, чем попрошу Брэда о помощи».

Вероятно, это связано с тем, что бойфренд девушки разбил ей сердце, из-за чего она страдала и теряла к нему доверие. Эти болезненные ощущения, которые могут длиться долго, нашли отклик в сердцах людей. Может быть, поэтому эта картина так популярна.

Синий цвет подчеркивает грусть и безысходность.

Большой всплеск — Дэвид Хокни, 1967

Дэвид Хокни, «Большой всплеск», 1967 г
Большой всплеск — Дэвид Хокни

Хокни написал эту работу, еще учась в Калифорнийском университете в Беркли. «Большой всплеск» был создан как конечный результат двух небольших картин, в которых он развил свои идеи: «Маленький всплеск» (1966) и «Всплеск» (1966). «Большой всплеск» — это гораздо более масштабная работа.

Хокни был одним из первых художников, который широко использовал акриловую краску, которая тогда была довольно новым художественным средством. Он считал, что как быстросохнущая субстанция она больше подходит для изображения жарких сухих калифорнийских пейзажей, чем традиционная масляная краска.

На картине Хокни исследует, как изобразить постоянно движущуюся поверхность воды. Всплеск был основан на фотографии бассейна, которую Хокни видел ранее. Он был очарован идеей, что фотография может запечатлеть это событие за долю секунды, и попытался воссоздать его в живописи.

Динамизм всплеска резко контрастирует со статичной и жесткой геометрией дома, кромки бассейна, пальм и желтого трамплина. Это намеренно придает изображению бессвязный эффект, что на самом деле является одной из отличительных черт стиля Хокни.

Мне очень понравилась идея нарисовать этот момент, который длится две секунды: мне нужно две недели, чтобы нарисовать что-то, что длится две секунды.

Банки с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол, 1962

Банки с супом Кэмпбелл, 1962 Энди Уорхол
Банки с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол

Картина на банке с супом — любимая картина Энди Уорхола.

В поисках идей для сюжетов картин он любил расспрашивать друзей и знакомых. Один из них посоветовал ему нарисовать что-нибудь простое, узнаваемое, что-то, что есть в каждом доме, например вот эти суповые банки.

Уорхол скупил все ароматы и нарисовал их на 32 картинах. Они были выставлены по всей длине галереи и пользовались успехом. Молодые художники считали это чем-то новым и интересным, но большинство проходило мимо с равнодушием и даже откровенным пренебрежением.

Хозяин соседней галереи пародировал выставку, выставив на витрине настоящие банки с этим супом, намекая, что в соседнем здании их можно купить дешевле.

Затем мастер продолжает экспериментировать, рисуя такие же баночки и складывая их в своеобразные штабеля в магазине.

Владелец галереи выкупил у художника все работы за 3000 долларов, а после смерти Уорхола продал их за 15 миллионов долларов.

Бу-ух! — Рой Лихтенштейн, 1963

Whaam!, 1963 Рой Лихтенштейн
— Ух ты! — Рой Лихтенштейн

Картины Лихтенштейна не поддаются легкому политическому прочтению. Он празднует Whaam! действие войны, азарт охоты, слава убийства? Или он комментирует этот праздник как бесчеловечный и для врага, и для себя? Или это просто мультфильм для маленьких мальчиков? Эти вопросы (даже если Лихтенштейн никогда не собирался их поднимать) висят над нами полвека спустя.

Американский истребитель выпускает луч огня, который поражает вражеский самолет, не давая пилоту возможности спастись. Это образ насилия, но насилие переживается из третьих рук. Картина тщательно создана из комикса DC War, с точками и смелыми цветами оригинала, воссозданными вручную в массовом масштабе.

Диптих Мэрилин — Энди Уорхол, 1962

Мэрилин Диптих, 1962 Энди Уорхол
Диптих Мэрилин — Энди Уорхол

После ее внезапной смерти от передозировки снотворного в августе 1962 года жизнь, карьера и трагедия суперзвезды Мэрилин Монро стали предметом пристального внимания всего мира. Уорхол, очарованный славой и поп-культурой, использовал свое черно-белое рекламное изображение из фильма «Ниагара» для создания нескольких серий изображений.

Общая идея всего творчества Мэрилин заключалась в том, что ее образ воспроизводился снова и снова, что можно было увидеть в газетах и ​​журналах того времени. Просмотрев десятки и сотни таких изображений, зритель перестает видеть изображенного человека, а остается с иконой популярной, потребительской культуры. Изображение (и человек) становится просто еще одной коробкой с хлопьями на полке супермаркета, одной из сотен коробок — и все они совершенно одинаковы.

В «Золотой Мэрилин Монро» Уорхол играет на идее иконографии, помещая лицо Мэрилин на очень большой золотой фон.

На заднем плане сохранились византийские религиозные иконы, которые и по сей день занимают центральное место в православной вере. Только вместо Бога мы смотрим на картину (становящуюся немного кричащей при ближайшем рассмотрении) женщины, прославившейся и погибшей в страшной трагедии.

Уорхол тонко комментирует наше общество и его возвеличивание знаменитостей до уровня божества. Художник указывает на ценности и окружение своего времени.

Напольный бургер —Клас Олденбург, 1962

Floor Burger, 1962 Клас Ольденбург
Открытый бургер — Клас Ольденбург

Это очень противоречивая работа, которую не все считают искусством. Мягкая скульптура — к этому жанру относится бургер, это было что-то новаторское, сюрреалистическое.

Его мягкое, гибкое и красочное тело бросало вызов условности, согласно которой скульптура должна быть жесткой и строгой, а ее сюжет и колоссальный масштаб привносили юмор и причудливость в часто трезвое искусство.

Избранный президент — Джеймс Розенквист, 1960–61

Избранный президент, 1960–61 Джеймс Розенквист
Избранный президент — Джеймс Розенквист

Как и многие художники поп-арта, Розенквист был увлечен популяризацией политических и культурных деятелей через средства массовой информации. В своей картине в стиле плаката «Избранный президент» мастер смешивает рекламу калибра с Мэдисон-авеню с политическими амбициями, показывая улыбающееся лицо Джона Ф. Кеннеди рядом с потребительскими товарами, а именно желтым «Шевроле» и кусочком пирога из рекламы.

Розенквист создал коллаж, используя изображения, вырезанные из их исходного контекста, которые он адаптировал, чтобы они соответствовали монументальному масштабу в фотореалистичном стиле. Как объясняет Розенквист: «Это лицо с предвыборного плаката Кеннеди. В то время меня очень интересовали люди, рекламирующие себя. Почему они рекламировали себя? Так вот как выглядело его лицо кусок старого пирога».

В произведении говорится об увлечении Розенквиста подсознательным убеждением посредством рекламы.

Витрина с пирожными, I — Клас Олденбург, 1961–62

Ящик для кондитерских изделий, I, 1961–62 Клас Ольденбург

Витрина с пирожными, I – Клас Ольденбург

Тарелка глазированного печенья, два пломбира, пирог, большая корзина с ребрышками и недоеденное карамельное яблоко соперничают за наше внимание внутри витрины. Грубо говоря, эти неаппетитные модели классической американской закусочной тянутся к нам скорее как неуклюжие родственники.

Подобно портретам, но без человеческой фигуры, волшебство в скульптуре Ольденбурга заключается в выразительном элементе, который он ей придает. Это самый эмоциональный (и смешной) из художников поп-арта, его гениальность заключается в балансе между иронией и серьезностью в отсылках к американской культуре.

Зайки — Зигмар Польке, 1966

Кролики, 1966 Зигмар Польке
Кролики — Зигмар Польке

В «Зайчиках» сюжетом полотна является группа женщин, вызывающе одетых в стиле Playboy Bunnies. Хотя женщины издалека кажутся привлекательными, при ближайшем рассмотрении их черты распадаются на множество цветных кругов, которые выглядят скорее чудовищно, чем люди. Горох стирает индивидуальную идентичность женщин, тем самым указывая на их объективацию, присущую подобным образам.

Такие журналы, как Playboy, представляют женщин как физически привлекательных сексуальных объектов, соблазняя зрителей смотреть на фотографии с высоким разрешением.

Размещая свое большое изображение на стене галереи и вовлекая зрителя в пристальное рассмотрение женских тел в общественных местах музея, художница заставляет зрителя чувствовать себя некомфортно и сопротивляться привычному способу взгляда.

Стандартная станция — Эд Рушей, 1966

Стандартная станция, 1966 Эд Руша
Стандартная станция — Эд Руша

Эта картина превращает банальный образ заправочной станции в культовый символ американской потребительской культуры. Здесь, используя трафаретную печать, Руша сводит перспективу в единую плоскость, чтобы создать изображение, напоминающее эстетику коммерческой рекламы.

Мягкий туалет — Клас Олденбург, 1966

Мягкий туалет, 1966 год, Клас Ольденбург
Мягкий унитаз — Клас Ольденбург

В 1961 году Клас Ольденбург написал манифест, в котором утверждал свою радикальную художественную позицию: «Я за политико-эротически-мистическое искусство, которое не сидит на заднице в музее, а занимается чем-то другим».

Мягкий туалет — это произведение, которое избегает обычных характеристик арт-объекта, стоящего ни на чем — даже не на постаменте, как многие скульптуры, — а висящего на металлической подставке.

Он превратил унитаз — фабричный символ современной гигиены из твердого фарфора — в сшитый вручную мягкий кусок винила. Вялый и обвисший, как стареющее человеческое тело, унитаз с мягкой обивкой наделен собственной индивидуальностью и чувством драматизма.

Электрическое кресло — Энди Уорхол, 1965

Электрический стул, 1965 Энди Уорхол
Электрический стул — Энди Уорхол

Эта картина, написанная серебряной краской, является частью серии Энди Уорхола «Смерть и катастрофа», где он запечатлел все ужасы самоубийств, несчастных случаев и беспорядков.

Картина была описана как «примечательная своей визуальной трезвостью и эмоциональной сдержанностью», а пустота и неподвижность комнаты «представляет смерть как отсутствие и тишину».

В основу картины положен снимок 13 января 1953 года, когда на таком стуле казнили чету Розенбергов — за то, что они дали СССР информацию об атомной бомбе во время Второй мировой войны.

Интересно, что это единственная картина в серии, на которой нет человека.

Обед — Джордж Сигал, 1964-66

Закусочная, 1964-66 Джордж Сигал
Обед — Джордж Сигал

Освещенные сверху люминесцентной лампой, две фигуры сидят за реалистичным обеденным столом. Сцену задают знакомые предметы: кофейные чашки, сахар, диспенсеры для салфеток.

Объекты реальны, а белые монохромные формы — нет. Они замерли в движении, один сидит, а другой работает за прилавком.

Закусочные — квинтэссенция американского среднего класса — фигурировали в творчестве многих художников. Сигал воссоздал повседневную сцену в натуральную величину, момент выглядит таинственным, почти волшебным образом открытым. Это мог быть кто угодно, в любом ресторане в любой части страны.

Театральность работы усиливается тем, что мы стоим с ним в одной комнате.

210 бутылок Кока-колы — Энди Уорхол, 1962

210 бутылок Coca-Cola, 1962 год, Энди Уорхол
210 бутылок кока-колы — Энди Уорхол

На картине изображена икона американской потребительской культуры в фирменном механическом стиле Уорхола. Строгий порядок бутылок отражает сам производственный процесс, а повторяемость отражает его повсеместность.

Эволюция направления, или нео-поп-арт

В 1980-е возродился интерес к творчеству Энди Уорхола и его современников. Уорхол умер в 1987 году, но задолго до этого он вдохновил новое поколение художников. Следует отметить, что неопоп-арт (или новый поп-арт) на самом деле не новое направление в искусстве, а скорее эволюция старой версии. Этим термином было удобно классифицировать ряд новых художников, сочетавших в себе элементы поп-арта, авангарда, минимализма, концептуализма и инсталляции.

Его также иногда называют «шок-поп-артом» из-за его провокационного и противоречивого характера. Авторы не стеснялись использовать средства массовой информации для привлечения внимания и продвижения своей работы.

Пост-поп — это переработанная версия поп-арта, адаптированная к новой эпохе: с новыми знаменитостями, изображающими актуальные проблемы. Он критикует западную культуру, как когда-то Запад критиковал Америку; часто высмеивает общественных деятелей.

Прекрасными примерами этого стиля являются скульптура Катарины Фрич «Крысиный король» 1993 года и скульптура Джеффа Кунса 1988 года «Майкл Джексон и пузыри».

Одной из особенностей этого направления является игра на эмоциях людей, депрессия, пессимизм, попытка вызвать страх, тревогу. Это было отражением времени, критикой всеобщей одержимости.

Наряду со звездами массово использовались изображения животных, таких как мультяшные собаки Кита Харинга, надувные пластиковые кролики Джеффа Кунса, гигантские грозные крысы Катарины Фрич или мертвые акулы, коровы и овцы Дэмиена Херста в формальдегиде Дэмиена Херста.

Как стиль развивался в других странах

Был ли в СССР?

Считается, что поп-арта в СССР не было. Хотя некоторые натяжки относят к советскому эстрадному искусству.

«В стране с тотальным отсутствием поп-арта и очередей быть не может».

В 70-е годы в СССР появился своеобразный жанр, основанный на политической агитации и социалистических идеях. Этот вид искусства получил название «соц-арт».

Одной из известных картин российского (уже после распада СССР в 1991 году) эстрадного искусства является граффити Врубеля «Господи! Помоги мне пережить эту смертельную любовь».

Дмитрий Врубель — Господи! Помогите мне пережить эту смертельную любовь, 1 990
Mein Gott, hilf mir, diese todliche Liebe zu überleben

Сейчас в России есть неопоп-арт: в живописи, в архитектуре и дизайне.

Традиционно в отечественном эстрадном искусстве художниками считаются Александр Шабуров и Вячеслав Мизин; Дубосарский и Виноградов, Алексей Каллим, Ростан Тавасиев, Диана Мачулина, Михаил Рошаль-Федоров.

В Китае

В Китае, как и в СССР, стиль получил разное развитие. Смесь западного поп-арта и китайского социалистического реализма называется политической поп-музыкой.

Он возник в Китае в 1980-х годах для создания формы искусства, которая ставила под сомнение политический и социальный климат быстро меняющегося Китая

Политическая поп-музыка была отчасти реакцией на насильственную модернизацию страны, но также и способом примириться с культурной революцией.

Ван Гуанъи Великая критика — Coca Cola, 1 994

Попсовой банальностью и полуироническим отношением к капитализму в сочетании с пропагандистскими образами эпохи Мао художники бросили вызов сложившемуся в Китае отношению к искусству.

В Японии

Два самых известных японских художника.

Таданори Йоко (Yokoo Tadanori)

Такаши Мураками (Takashi Murakami) — хотя его тоже относят к постмодернистским.

Критика

«Это просто чушь, а не искусство», — говорят некоторые. «Он не заслуживает внимания, это чушь собачья», — говорят другие.

Владельцам музеев и выставок запрещалось покупать работы в этом жанре, так как это была пустая трата денег.

Однако сейчас картины в стиле поп-арт являются одними из самых дорогих в мире. Так, картина Энди Уорхола 1962 года «Автокатастрофа серебряной машины» была продана в 2013 году за 105,4 миллиона долларов, «Восемь Элвисов» — за 100 миллионов долларов; «Шедевр» Роя Лихтенштейна был продан за 165 миллионов долларов в 2017 году.

Поп-арт в XXI веке

Поп-арт сегодня можно встретить везде: в фэшн-дизайне (от масс-маркета до высокой моды), полиграфии, эффектах и ​​фотообработке, музыкальных обложках, дизайне интерьеров, живописи.

Примеры современного в архитектуре

В моде

Если присмотреться, поп-арт напечатан везде: на футболках, пижамах, платьях.

Вам нравится это направление? Вы считаете это искусством? Какие эмоции оно вызывает? Расскажите нам об этом в комментариях!

Источники

https://www.tate.org.uk/art/art-terms/p/pop-art/think-you-know-pop-art

https://www.moma.org/learn/moma_learning/themes/pop-art/

https://www.theartstory.org/movement/pop-art/